Kammerspiele Ilona. Rosetta. Sue. von Aki Kaurismäki, Luc & J.-P. Dardenne, Amos Kollek

Lakonie und Tristesse

Drei Filmgeschichten von Frauen hat Sebastian Nübling in seinem dramatischen Konstrukt miteinander verwoben: „Wolken ziehen vorüber“ von Aki Kaurismäki, „Rosetta“ von den Brüdern Dardenne und „Sue“ von Amos Kollek.
Der Name Aki Kaurismäki steht für eine Ästhetik des radikalen Verzichts. Lakonie ist das Wort, mit dem sich seine Arbeit am besten umreißen lässt. Im Gegensatz zu vielen anderen Künstlern hat Kaurismäki ein Vorleben, das in eben jenen Gefilden angesiedelt war, in denen seine cineastischen Helden agieren. Diese Helden sind Philosophen wider Willen. Sie sind keine Besserwisser und keine Etablierten. Sie sind nur selten im sozialen Kontext integriert. Zumeist sind es Menschen, denen das Leben nichts schenkt und die allesamt mehr oder weniger um das Überleben kämpfen. Trotz der Kargheit des Ausdrucks, trotz der permanenten Abwesenheit dessen, was wir als Schönheit bezeichnen, um eine Minimum von Behaglichkeit zu erlangen, sind die Charaktere von berührender Menschlichkeit. Kaurismäkis Ilona hat viele Jahre im Restaurant „Dubrovnik“ als Oberkellner gearbeitet. Als die Besitzerin Konkurs anmeldet, beginnt nicht nur der soziale Abstieg Ilonas, sondern auch der ihres Mannes Lauri. Lauri ergibt sich langsam aber sicher dem Suff. Melartin, der ehemalige Portier des „Dubrovnik“ inspiriert Ilona, ein eigenes Restaurant zu eröffnen. Sie will eigentlich nur arbeiten, doch das reicht heutigentags nicht mehr. Das Scheitern ist vorprogrammiert.

Der Film „Rosetta“ von den Brüdern Luc und Jean Pierre Dardenne erinnert in seiner Machart an Dogma-Filme von Vinterberg und Trier. Erzählt wird die Geschichte des Mädchens Rosetta, die verzweifelt nach Arbeit sucht, von den Arbeitgebern allerdings schamlos ausgenutzt und nach Ablauf der Probezeit immer wieder auf die Straße gesetzt wird. Schließlich denunziert Rosetta den einzigen Freund, den sie hat, um an dessen Job zu gelangen. Sie lebt mit ihrer alkoholkranken Mutter, die sich für eine Flasche Schnaps bei Jedermann prostituiert, in einem Trailerpark. Rosetta entwickelt aberwitzige Überlebensstrategien und wandelt dabei unentwegt an den Grenzen der physischen und psychischen Belastbarkeit. Im Film klebt die Kamera geradezu an der Darstellerin und so durchlebt der Zuschauer die Hatz der jungen Frau nach jeden Pfennig, nach jeden Happen Essen hautnah mit. Die Bilder sind derart intim, dass das Leid der Rosetta vom Betrachter nahezu physisch durchlitten wird.

Amos Kolleks Film „Sue“ erzählt die Geschichte einer Frau in New York, die bereits seit einiger Zeit arbeitslos und inzwischen mit ihrer Miete soweit im Rückstand ist, dass ihr die Räumung droht. Sie ist depressiv und durchhastet schlaflos die Stadt New York nach einer menschlichen Begegnung. Im einem Gespräch entschlüpft ihr der Satz: „Ich kommuniziere mit Sex.“ Dem gibt sie sich mit einer Vielzahl von Männern hin. Schließlich begegnet ihr Ben, ein Reisejournalist, der sie aufrichtig zu lieben beginnt. Und da ist noch Linda, eine Aspirantin auf den Doktor der Psychologie, die ihr bereitwillig Hilfe anbietet. Doch Sue ist längst soweit aus der Welt gefallen, dass sie alle Angebote ausschlägt. Ihr Weg endet ganz lakonisch an einem kalten Tag in einem Park.

Ene-Liis Sempers Bühnenbild bestand aus einer langen Reihe von Werkbänken, die den schwarzen Bühnenraum diagonal durchzog. Sie stellten alle Topoi vor, die benötigt wurden. Darüber ein Laufband für die Obertitel, denn es wurden in mindestens vier Sprachen gespielt. Dass Themen wie Vereinsamung, seelische Deformation, darwinistischer Überlebenskampf, Arbeitslosigkeit, Hoffnungslosigkeit und Selbstaufgabe keine hellen Farben vertragen, liegt auf der Hand. Bei Nübling versinkt alles in Düsternis. Es gibt keinen Hoffnungsschimmer. Allein, man kann ihm nicht vorwerfen, Schwarz zu malen, denn die Schicksale, die die Diktatur der Ökonomie massenhaft produziert, sind hinlänglich bekannt. Auch ließe sich jede Anklage an das System und ihre Protagonisten beweisen.

Doch es klagt niemand an. Die Zustände mögen uns moralisch empören, die Rechtsstaatlichkeit schützt das System. Und das System hat sich die Rechtsstaatlichkeit längst dienstbar gemacht und wuchert in seiner Profitsucht wie ein Krebsgeschwür dahin. In Kaurismäkis Film „Wolken ziehen vorüber“ gibt es ganz nebenbei eine Fernsehmeldung, in der von der Hinrichtung Ken Saro-Wiwas (Schriftsteller und Politiker) im Jahr 1995 berichtet wird. Zur Erinnerung: Er prangerte in Nigeria die Zerstörung des Lebensraumes der Ogoni, ein indigenes Volk im Nigerdelta, durch Royal-Dutch-Shell-Gruppe an. Saro-Wiwa wurde nach einem politischen Schauprozess gemeinsam mit acht Mitstreitern gehenkt. Als sich die Weltöffentlichkeit empörte, zahlte Royal-Dutch-Shell 15,5 Millionen US$ an die Hinterbliebenen, um sich einer Anklage wegen Menschenrechtsverletzungen vor einem US-Bezirksgericht zu entziehen.

Nüblings Inszenierung wird getragen von einem aggressiven Rhythmus (Musik: Lars Wittershagen) der sich durch die meisten Szenen zieht. Es beginnt mit dem Schaben von Möhren und steigert sich zum Trommeln auf  Mikrofone. Mikrofone waren ein choreografisches Element. Sie wurden ständig auf- und abgebaut, verschoben, umgelegt oder aufgehängt. Zwischen ihnen fand das Spiel statt. Die drei Frauen lösten einander mit ihren Auftritten ab und obwohl sie keinerlei Bezug zueinander hatten, entfalteten sich ihre Schicksale scheinbar n einer Stadt. Sebastian Nübling ging es auch darum, diesen neuen Typus Stadt zu definieren, in der, wie er meint, „Arbeitsämter, Arbeitsplätze, Cafés, Parks - potentielle Orte der Begegnung sein könnten, aber selten sind.“ Urbanität ist in den letzten Jahren zu einer Verheißung geworden, doch das Ergebnis ist ernüchtern.

So hastete „Sue“, grandios zerrissen und waidwund dargestellt von Wiebke Puls, von einer flüchtigen Begegnung zur nächsten, verbündete sich für kurze Zeit mit der kleinkriminellen Lola, schreckte vor der angebotenen Hilfe Lindas zurück, beide Frauen auf sehr eingängige Weise gekonnt konträr von Sylvana Krappatsch gestaltet, und rief schließlich die Telefonvermittlung an, um ein einminütiges Gespräch führen zu können. Ben, sensibel und mit artistischem Aufwand von Rasmus Kaljujärv gespielt, vermochte ihren Schutzschirm nicht zu durchdringen, selbst dann nicht, wenn es zu verschmelzend intimen Begegnungen kam.  Rosetta hingegen kämpfte auf ganz anderem Niveau ums Überleben. Bei ihr waren es die Basics, die es zu erlangen galt. Mirthel Pohla spielte sie ganz ähnlich wie die Darstellerin im Film, unnahbar, aggressiv, hochtourig und mit extremen körperlich Einsatz. Wenn sie nicht gefordert war, kroch sie wie ein zu Tode erschöpftes Tier unter den Trailer, also in die untere Ablage einer Werkbank. Starletta Mathatas Ilona hingegen war nicht gänzlich haltlos und taumelnd. Sie brachte viel Energie auf, um ihr Ziel nicht aus den Augen zu verlieren. Den Untergang ihres Mannes Lauri kommentierte sie mit einem markerschütternden verzweifelten Lachen, das man homerisch nennen könnte. Am Ende streckte die kraftvolle Frau ratlos die Waffen und verblasste. Steven Scharf, wie immer mit einer großartigen Präsenz, demonstrierte die Demontage einer Persönlichkeit, deren Selbstbewusstsein anfangs unerschütterlich zu sein schien, hin zu einem physischen und psychischen Wrack. Es war zutiefst deprimierend, mit anzuschauen, wie dieser starke Man vor den Schaltern des Arbeitsamtes und der Behörden zu einem Bewusstseinszwerg zusammenschrumpft. Das alles barg einen echten Kern Wahrheit und Realität.

Es war eine starke Inszenierung, dessen ungewöhnliche Ästhetik, nämlich die Lakonie und die Tristesse Kaurismäkis, es dem Betrachter nicht immer leicht machte, einen Einstieg zu finden. Man musste dem Zuschauer auch zugestehen, dass er sich gegen diese Bilder der Hoffnungslosigkeit wehrte, so gut er konnte, denn auch in dieser Gesellschaft geht die Angst längst um wie ein Gespenst. So sollte Nüblings düsteres Weltbild als Angebot verstanden werden, dem Trend der Zeit, nämlich die Augen zu verschließen vor den globalen Problemen, zu widerstehen. Es geht für viele Menschen längst nicht mehr um die Würde, die ja bekanntlich unantastbar sein sollte. Für 1 Milliarde Menschen, also für jeden sechsten, gibt es keine Würde mehr, sondern nur noch Hunger. Arbeit sollte ein Menschenrecht sein, doch selbst in den hochzivilisierten und reichen Gesellschaften ist dieses Recht nicht verankert. Der Verlust von Arbeit ist der erste Schritt aus der Gesellschaft heraus. Der Rest ist beinahe ein Automatismus. Das vermittelte der Abend in den Münchner Kammerspielen sehr prägnant.

Wolf Banitzki

Ilona. Rosetta. Sue.   Eine trinationale Koproduktion mit Theater NO99 (Tallinn) und KVS (Brüssel)

von Aki Kaurismäki, Luc & J.-P. Dardenne, Amos Kollek

Kammerspiele Dantons Tod von Georg Büchner

Pierre Bokma gab einen Danton, der in seiner Expression über das Spiel der meisten anderen Darsteller hinausging. Er zeigte einen Mann, der glaubhaft seinen eigenen Epikureismus pries, selbstverliebt seine Rolle in der Revolution propagierte und der am Ende, als er den unweigerlich auf ihn zukommenden Richtspruch mit der Begründung fortzuleugnen versuchte: „Sie werden es nicht wagen!“, nur noch ein heulendes Häufchen Elend war. Erst auf dem Weg zur Hinrichtung richtete er sich wieder zur vollen Größe auf. Ähnlich emotional gestaltete Kristof van Boven seine Rolle als Camille Desmoulin, der erst im Angesicht des Todes heldenhaftes Format bekam. Gegenspieler Robespierre war kongenial mit Wolfgang Pregler besetzt, der scharfzüngig und unerbittlich seine eigene Tugendhaftigkeit, die im Grunde nur Lebensarmut war, zum letzten Banner der Revolution erhob und sie in den blutigen Abgrund führte. An seiner Seite brillierte Annette Paulmann als St. Just, Robespierre befeuernd und seine Entscheidungen in die blutige Tat umsetzend. Darsteller wie Stephan Bissmeier (Lacroix), Marc Benjamin (Legendre) oder Hans Kremer (Herman) beließen es weitestgehend dabei, den Text nachdrücklich ins Bewusstsein der Zuschauer zu rücken. Sich selbst nahmen sie sehr zurück. Mehr als ihr Spiel charakterisierten sie die Kostüme in ihrer Zugehörigkeit zu den Gremien oder Lager (Kostüme: Teresa Vergho). Unter den weiblichen Darstellerinnen stach besonders Sandra Hüller in der Rolle der Marion ins Auge. Sie präsentierte in ihrer Haltung ein wunderbares weibliches Selbstbewusstsein, das frei war von Ideologie und dem nicht der Geruch emanzipatorischer Obsession anhaftete.

Es war ein Abend der besonderen Ästhetik. Die Verfremdung irritierte auf den ersten Blick, doch schon auf den zweiten Blick konnte man den Sinn erkennen. Wohltuend gestaltete sich auch das minimalistische Spiel der Darsteller, nach dem es ein Weilchen gebraucht hatte, seine eigenen Sehgewohnheiten und Erwartungen umzustellen. Nichts lenkte von der Wucht der Sprache und der Ideen Büchners ab. Und da diese Inszenierung als eine Hommage für Georg Büchner zu seinem 200. Geburtstag gedacht war, ging es den Machern aus gutem Grund mehr um den Text, als um eine ästhetisch aufwendige Umsetzung. Diese Inszenierung war eine gelungene Verbeugung vor dem großen deutschen Dramatiker, der nur vierundzwanzig Jahre alt wurde und dessen Arbeiten nichts an Aktualität verloren haben.

Wolf Banitzki

Dantons Tod

von Georg Büchner

Spielhalle Amerika von Franz Kafka

Die Bühne von ruimtevaarders (Karolien De Schepper und Christophe Engels) mit der größtmöglichen, grünen Spielfläche, wird im Hintergrund durch eine roh gezimmerte Wand begrenzt, die einige Ein- und Ausgänge vorhielt. In diese Wand eingelassen war ein winziger boxenartiger Raum, der Kajüte sein konnte, aus der Wand herausgelöst aber auch ein Lift. Ein Baum mit angeschraubtem Freiluftlautsprecher konnte auf Rollen beliebig verschoben werden, ebenso ein alter Scheinwerfer und ein liegenartiges Podest. Empfangen wurden die Zuschauer von zwei Karl Rossmanns, Christian Löber und Stefan Hunstein. Damit griff die Regisseurin die sehr frühe Idee Kafkas auf, das „Amerika“ die Geschichte zweier verfeindeter Brüder erzählen sollte, von denen einer in das Gelobte Land ging, während der andere in einem Prager Gefängnis saß. Löber, der mit Gitarren- oder Klavierspiel Stimmungen erzeugte oder musikalisch kontrastierte, und Hunstein wechselten einander in der Gestaltung der Rolle ab, wobei Stefan Hunstein den größeren Part zu bewältigen hatte. Beide gestalteten sie den Charakter des Auswanderers Karl als sensibel, zurückgenommen, naiv und gleichsam verzweifelt nach Wahrheit und Recht suchend. Hunstein und Löber waren unbedingt Garanten dafür, dass die Inszenierung tatsächlich „eine Atmosphäre von positiver Energie atmete“. Julie Van den Berghe machte aus der anrührenden Geschichte kein Rührstuck. Sie überzeichnete die Figuren im Gegensatz zu der des Karl Rossmann kräftig und trieb sie gelegentlich bis an die Grenzen des Clownesken. Katja Bürkle hatte die Rollen der jungen Frauen zu spielen, Klara und Therese. In letztere verliebte sich Karl. Sie interpretierte die Rollen sehr gegensätzlich und schuf damit eine das Verständnis der Geschichte erleichternde Unterscheidung, aber auch erheblich mehr Spannung. Diese Unterscheidung fiel bei den Herren Hess, Telgenkämper, Merki und Simonischek hingegen nicht allzu deutlich aus. Sie spielten fast durchgängig in ein und demselben Kostüm, was der emotionalen Annahme der Rolle nicht unbedingt dienlich war. So gab Stefan Merki, der mit seinem Bart und seinem agilen Auftreten in kurzen Hosen einen hervorragenden Asterix abgegeben hätte, einen Kapitän, einen Diener und Robinson. Edmund Tegenkämper wechselte zwar das Kostüm, doch hielt ihn die Regisseurin nicht zu einem deutlich unterscheidbaren Spielgestus an. Das traf ebenso auf den in seinen Rollen kraftmeiernden Walter Hess wie auf die bemerkenswert filigran gestaltende Christin König zu. Es mangelte schlichtweg an differenzierter Rollengestaltung. Das war umso bedauernswerter, da man weiß, zu welchem komödiantischen Feuerwerk diese Darsteller fähig sind. So schoren sie alle ihre Rollen mehr oder weniger jeder für sich über den ureigenen Kamm. Das war denn auch der Grund, warum sich die ohnehin schon langen 2 Stunden und 40 Minuten noch länger anfühlten. Es gab wunderbar poetische Momente, die vornehmlich vom Spiel Stefan Hunsteins ausgingen und in denen anrührende Menschlichkeit aufblitzte. Auch hatte sich Julie Van den Berghe viel Zeit genommen, um wichtigen Momenten ihren emotionalen Stellenwert zu geben. Das entspricht zwar nicht heutiger Sehgewohnheit, wie sie von der Werbeindustrie geformt wurden, doch diente es in jedem Fall der Wahrheitsfindung. An guten ästhetischen Ansätzen von Seiten der Regie mangelte es nicht, allerdings an einer konsequenten Durchführung derselben und so war die Erschöpfung beim Zuschauer größer als das Hochgefühl, eine bemerkenswerte Geschichte erlebt zu haben, die ganz nebenbei einige Streichungen vertragen hätten. Insbesondere die Episode um Frau Brunelda ist bei Kafka ein schwer erkennbarer und zu deutender Torso geblieben. Sie dennoch unterhalb des Bühnenbodens, also für den Zuschauer weitestgehend unsichtbar, zu spielen, war verwirrend und erzeugte Ratlosigkeit. Es war ein Abend, der temporär große Gefühle erzeugte, dem leider die komödiantische Leichtigkeit abging und dessen Atem einer „Atmosphäre von positiver Energie“ gelegentlich die Schwere eines Marathonlaufes anhaftete.

Wolf Banitzki

Amerika

nach Franz Kafka

Kammerspiele Seltsames Intermezzo von Eugene O'Neill

Die melodramatische Nina ist so eine Kunstfigur, in deren Welt es zwei Götter gibt: Gottvater ist verantwortlich für alle Katastrophen und alles Leid, das über die Menschen kommt. Gottmutter hingegen ist das duldende, das behütende Prinzip. „Unser Leben ist nichts als ein seltsames, dunkles Zwischenspiel im elektrischen Feuerwerk von Gottvater.“ Beste Voraussetzungen für ein Theater, in dem sich die Betrachter wieder finden können. Und wenn einem begabten Regisseur wie Ivo van Hove ein Ensemble wie das der Münchner Kammerspiele zur Verfügung steht, um dieses Spiel auf die Bühne zu bringen, ist ein Erfolg kaum mehr abzuwenden. Gespielt wurde auf schwarzem Sand. Jan Versweyveld hatte ein Oval auf die Bühne gebracht, das wie eine Arena von den Zuschauern umringt war. Darauf wurden die neun Szenen wie ein Kampf ausgetragen, denn ein Kampf war es allemal. Die barfüßigen Darsteller schrieben mit ihren Gängen eine Chronik des Kampfes in den Sand, die nach jeder Szene gelöscht wurde. Mit jeder Szene begann es aufs Neue und mit jeder Szene steigerte sich die Tragik, das Resultat aus Nichtverstehen, Egoismus, Nichthinschauen und Fehlentscheidungen.

Es war unbestritten der Abend Sandra Hüllers, die in der Rolle der Nina Leeds beeindruckendes Theater gestaltete und die über vier Stunden lang in den Bann schlug. Sie spielte bissig, sehnsuchtsvoll, zynisch oder auch nach Liebe gierend. Die Brüche, mit denen sie immer wieder verblüffte oder erheiterte, hätten mehrere Figuren in der einen vermuten lassen. Allein, Sandra Hüller bewältigte, verwob und verkörperte sie in einer Person. Ebenso großartig agierte Stefan Hunstein  als der Schriftsteller und Lebensflüchtling Charles Marsden, der am Ende der friedliche Hafen für Nina wurde. Hunstein brillierte mit komödiantischen Finessen, wie man sie selten zu sehen bekommt. Marc Benjamin überzeugte durch die Dualität der Figur des Sam Evans, des ersten Ehemanns von Nina. Zu Beginn gab er einen Mitleid erregenden Versager, der sich damit zufrieden gab, dass er an Ninas Seite sein durfte. Als sie ihm ein (nicht seins) Kind schenkte, entfaltete Benjamin einen geradezu exemplarischen, starken Unternehmertypen, der das Leben, zumindest das äußere, gestaltete. Maximilian Simonischek verkörperte den dritten Mann im Gefühlsreigen, den Arzt Edmund Darrell. Er gestaltete sensibel und überzeugend einen Charakter, den die unerfüllte Liebe langsam und unaufhaltsam zerstörte und in ein emotionales Wrack verwandelte.

Ivo van Hove vertraute ganz auf den Text. Er inszenierte diesen ohne aktionistische Beigaben oder äußerlichen Schnickschnack. Die Konflikte entfalteten sich wie die aufsteigenden Geister Goyas. In vier Stunden Spiel gab es keine Leerstellen, alles war aufgefüllt mit Wort, Klang und Bedeutung. Notwendige Pausen, aber auch besonders intensive Szenen wurden kommentiert oder auch gestaltet durch die Live-Musik von Daniel Freitag. Freitag ging dazu mit seiner Gitarre auch auf die Bühne, um sich zu Sandra Hüller zu gesellen. So verschmolzen ihre Worte mit der Musik. Freitag machte den Blues, der der Geschichte innewohnt, mit seinem Instrumentalspiel und auch mit seinem Gesang hörbar.

Selbst wenn zum Ende hin der Soap-Charakter immer deutlicher zutage trat, verlor die Inszenierung nicht. Vielleicht brauchte es auch der anfänglichen Nüchternheit, um immer tiefer im Strudel des Gefühls und des Mitgefühls zu versinken. Als die neunte Szene mit dem in jeder Szene eingebauten, obligatorischen Blitz endete, gab es frenetischen Applaus, Bravos und Standing Ovations. Zu Recht, denn es war großes Theater und beste Unterhaltung, und zwar vier Stunden lang. Bravo!

Wolf Banitzki

Seltsames Intermezzo

von Eugene O'Neill